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Me encanta dibujar y he estado dibujando durante una cantidad decente de tiempo, pero recientemente no me siento motivado en absoluto para dibujar más. En mi mente tengo imágenes que realmente quiero dibujar, pero no me atrevo a sentarme y empezar a dibujar. No sé si es porque soy perezoso, pero me preguntaba si alguien más ha tenido esta sensación.

Siempre tengo ideas en la cabeza que necesitan ser plasmadas en papel, pero cuando tengo la oportunidad de dibujar nunca estoy de humor. La mayoría de las veces nunca me siento satisfecho con la forma en que dibujo las cosas, así que me siento desanimado de dibujar cosas. Eso y la pereza cuando tengo tiempo libre. Es una pena porque hay muchas cosas que podría lograr dibujando, si no fuera un obstáculo para mí.

Sí, esto me pasa todo el tiempo, quiero dibujar, y sé que debería, pero no lo hago. A veces pienso que quiero dibujar porque, como tú, tengo dibujos en mi mente que quiero hacer, pero normalmente estoy en medio de otra cosa, así que tengo que terminar eso antes de poder pasar a las cosas que tengo en mi mente, y simplemente no tengo la motivación para hacerlo.

Dibujar me hace sentir mejor

Los hábitos, como probablemente sepas si alguna vez te has comido las uñas, pueden ser increíblemente difíciles de romper. Los hábitos mentales invisibles nuestros pueden ser aún más difíciles de superar, pero por ello, aún más importantes.

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Los artistas de éxito no enmarcan las cosas en torno al “no es suficiente”. Nunca hay suficiente tiempo, no hay suficiente dinero, no hay suficiente confianza, no hay suficiente de lo que sea en ese momento para hacer o hacer lo que necesitas para ser un artista de éxito.

“Todos ellos apuntan a un miedo subyacente a no ser suficiente”, dice la mentora de arte y creadora de The Working Artist, Crista Cloutier. “Y, una vez que puedes lidiar con ese miedo subyacente, los otros problemas se acomodan”.

Como artista emergente, comparar tu creatividad con la de alguien que lleva veinte años de carrera puede frenar tu crecimiento y comparar tu trabajo con el de alguien que acaba de empezar.

En lugar de centrarte en cómo te comparas con otra persona, invierte esa energía en comparar tu trabajo reciente con el que hiciste hace seis meses, hace un año y hace cinco años. ¿Has crecido? ¿Y dónde quieres verte dentro de seis meses, un año y cinco años?

¿Qué sientes cuando dibujas las hojas y escribes los acontecimientos importantes de tu vida

Pero, ¿cómo podemos sentirnos cómodos con el punto en el que nos encontramos en nuestro viaje artístico y seguir avanzando? ¿Cómo podemos aceptar el arte que creamos hoy y seguir esforzándonos por mejorar nuestras habilidades?  ¿Cómo podemos apreciar el momento presente y seguir creciendo y evolucionando como artistas?

No queremos consumirnos en la perfección y en el crecimiento constante, pero tampoco queremos estancarnos y ser complacientes.  ¿Cómo podemos equilibrar nuestra necesidad de comodidad y crecimiento? ¿Cómo podemos estar satisfechos y mejorar?

Sol LeWitt, un artista que creaba dibujos, pinturas y esculturas, se escribía a menudo cartas de ida y vuelta con su amiga Eva Hesse, una escultora. Eva le escribía a menudo a Sol sobre su lucha contra todos los miedos habituales que conlleva la creación de arte: pensar que tu obra es terrible, pensar que deberías rehacer una pieza de nuevo, pensar que no eres digno de ser llamado artista, pensar en lo que podrían pensar los demás y pensar que deberías dejar de hacer arte por completo.

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Hay una respuesta de Sol, recogida en el libro Letters of Note: An Eclectic Collection of Correspondence Deserving of a Wider Audience, que toca este equilibrio de comodidad y crecimiento. Su respuesta está llena de inspiración y motivación, y he recopilado una lista de diez cosas que podemos aprender de su brillante carta.

¿Se le escapó algo en su dibujo

La creación de imágenes está infrautilizada en el asesoramiento y la arteterapia es en gran medida incomprendida por el público en general. Mucha gente piensa en la arteterapia como libros para colorear o mandalas, sin darse cuenta de que el arte tiene un profundo efecto curativo cuando se aplica en un contexto terapéutico.

En las sesiones tradicionales de asesoramiento, las palabras y el lenguaje corporal son los principales proveedores de información. Los dibujos dan acceso a una gama más amplia de información y recursos. Se pueden obtener conocimientos que van más allá de lo que se puede conseguir con las palabras.

Los colores, las formas y los gestos tienen asociaciones y significados que requieren y desencadenan el pensamiento creativo. Se accede a la imaginación del cliente y a su capacidad para utilizar la metáfora, lo que le invita a salir de la narrativa habitual que comparte verbalmente.

Hacer un dibujo pone lo que está dentro en el exterior. Mientras que las palabras se evaporan en el aire, una imagen es una forma fija que permite su exploración y manipulación desde múltiples ángulos. El gesto presenta otra oportunidad para expresar la emoción. Los dibujos de garabatos pueden hacerse de forma rápida, lenta, fluida, dentada, el bolígrafo puede clavarse en el papel o arrastrarse lentamente.

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